1. 12 hombres y una frase (1957)
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La historia trata sobre la decisión de doce jurados en un tribunal de justicia sobre la culpabilidad o inocencia de un joven puertorriqueño acusado de fratricidio. El joven sólo puede ser considerado culpable si su culpabilidad es unánimemente indudable.
Once de los jurados votan por la condena, a excepción del personaje de Henry Fonda, que explica los motivos de su decisión y trata de llegar a un consenso con los demás miembros del jurado.
Dirigida por el maestro Sidney Lumet, escrita por Reginald Rose y protagonizada por Henry Fonda, se trata de un clásico estudiado en las áreas del derecho, la psicología y la filosofía.
Cada vez más tensa a medida que avanza la película, la cámara adopta planos más cercanos, los cortes se vuelven más frecuentes y las discusiones más acaloradas.
Se sacan a la luz aspectos de la psique humana, como los prejuicios, los sesgos, el pensamiento colectivo y la violencia latente en la sociedad estadounidense.
2. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)
Combinando comedia, drama y ciencia ficción, el galardonado guionista Charlie Kaufman ha escrito una historia sobre un mundo en el que es posible borrar los recuerdos de forma selectiva.
Después de terminar una larga relación, Clementine (Kate Winslet) decide olvidarse de Joel (Jim Carrey). Joel, todavía enamorado de Clementine, cae en una depresión cuando descubre su actitud. Luego tiene que decidir si quiere hacer lo mismo y borrar parte de su vida y aprendizaje.
Corriendo durante mucho tiempo dentro de la cabeza de Joel, esta es una película ambiciosa que propone una reflexión madura y poética sobre las relaciones y la identidad.
¿En qué medida borrar los recuerdos es borrar la historia de vida que conforma la personalidad? ¿Es el camino menos doloroso necesariamente el más fructífero? Estas son algunas de las preguntas que plantea el trabajo.
3. Amnesia (2000)
Leonard (Guy Pearce) está buscando al hombre que mató a su esposa. Sin embargo, sufre de una condición que le impide formar recuerdos a largo plazo.
Leonard no puede ocultar un hecho, a dónde va o por qué, por más de unos minutos. Entonces, para realizar su búsqueda, necesita fotografiar, escribir, tatuar hechos importantes.
“Memento”, en el original, fue escrita y dirigida por Christopher Nolan y refleja el interés por la estructura que presentaría el cineasta durante el resto de su carrera.
Con una cronología fragmentada, ver la película es una experiencia participativa. El espectador es llevado dentro de la piel tatuada del protagonista y llevado a comprender temas como la venganza y la violencia.
4. Alguien voló sobre el nido del cuco (1976)
Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson), es un criminal que simula la locura para evitar ser arrestado en una cárcel normal. Luego es enviado a una institución mental.
Allí se involucra con los internos y con la rígida organización de la institución. Se rebela contra los abusos cometidos por la clínica contra los vulnerables y trata de defenderlos.
Alguien voló sobre el nido del cuco es un clásico absoluto sobre la salud mental. Filmado en una clínica psiquiátrica real, fue filmado en una época en la que el respeto por los reclusos recibía mucha menos atención que en la actualidad.
Ocupa el puesto 33 en la lista de las 100 mejores películas del American Film Institute y fue la segunda película para recibir los cinco premios Oscar principales (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor y Mejor Actriz)
5. El hombre de la lluvia (1988)
Cuando muere el padre millonario de Charlie Babbitt (Tom Cruise), no le deja más que rosas y un coche. El resto de su fortuna va a un desconocido Raymond Babbit (Dustin Hoffman).
Charlie investiga y descubre que el beneficiario, Raymond, es su hermano mayor autista. Charlie se acerca al vulnerable Raymond, dispuesto a luchar por la custodia de su hermano.
En 1988, el autismo se entendía mucho menos que hoy y recibió menos atención. La película fue una de las encargadas de concienciar sobre la condición y desmitificar el autismo.
La actuación metódica de Dustin Hoffman ayudó a arrojar luz sobre la complejidad del espectro del autismo para el público.
6. El club de la lucha (1999)
Un protagonista anónimo (Edward Norton) sufre de insomnio y depresión. Se involucra con un extraño vendedor llamado Tyler Durden (Brad Pitt) y comienza a adoptar varias de sus idiosincrasias misantrópicas y críticas a la sociedad consumista.
Comienza a vivir en una casa decrépita y abandona su vida de clase media alta. Su amistad se ve comprometida cuando una mujer, Marla (Helena Bonham Carter), atrae la atención de Tyler.
Fight Club es el tipo de trabajo tan impactante que cambia el género al que pertenece. Hoy en día es imposible hacer una película en la categoría de “narrador poco fiable” sin tener en mente El club de la lucha, e inevitablemente todas las películas de la categoría serán comparadas con esta.
Fight Club no busca brindar una descripción precisa de la esquizofrenia o el trastorno disociativo. identidad, sino proporcionar, a través de la narración estilizada, una reflexión sobre la realidad y el tejido Social.
7. Taxista (1976)
Al regresar de la guerra de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) consigue un trabajo como taxista. Sin responsabilidades ni relaciones que anclen su vida, Travis trabaja día y noche mientras desciende lentamente hacia la soledad y la alienación. El aislamiento y la sensación de ser un renegado lo convierten en un dañino antisocial.
Taxi Driver es un tratado sobre la soledad y una de las películas más influyentes del siglo XX. La inventiva cinematografía de Martin Scorsese cambió la composición de los personajes en el cine estadounidense. El mundo interior de Travis se retrata a través de la cámara subjetiva y diálogos realistas.
8. 8½ (1963)
El director Federico Fellini hizo una película en la que Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) es un director con bloqueo de escritor que intenta completar una película.
Simple en trama, pero con una narrativa y personajes complejos, 8½ es uno de los pilares del metalenguaje en el cine. Fellini promueve un diálogo honesto sobre hacer arte con la audiencia, sobre qué es el arte, sobre por qué hacemos lo que hacemos.
9. Quién teme a Virginia Woolf (1966)
El profesor de historia George (Richard Burton) y su esposa alcohólica Martha (Elizabeth Taylor) chocan con una pareja más joven y menos desilusionada.
Nick (George Segal) y su tímida esposa Honey (Sandy Dennis) exponen los traumas de la otra pareja y la discordia hace añicos sus ilusiones.
Quién teme a Virginia Woolf expone la ingenuidad del sueño americano y cómo los eventos traumáticos pueden causar daños duraderos.
Basada en la obra de Edward Albee, la película presta mucha atención al diálogo sarcástico y la composición de personajes profundamente dañada.
10. El francotirador (1978)
Amigos de la infancia, provenientes de la clase trabajadora de un pequeño pueblo, se ven envueltos en la brutalidad de la Guerra de Vietnam poco después de su boda y su última cacería grupal.
Las afirmaciones sobre la gloria militar se prueban falsas por el absurdo y la crueldad de la guerra. Incluso las esposas, que no fueron a la guerra, tienen las trayectorias de sus vidas alteradas por el evento.
La guerra de Vietnam hizo grandes películas. Sniper es sin duda el más introspectivo y psicológico de ellos y, junto con Born to Kill (1987) y Apocalypse Now (1979), enterró la noción de que la guerra es gloriosa. La película ganó cinco premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
