Elemente sind die Grundbausteine eines Gemäldes. In der westlichen Kunst sind dies normalerweise: Farbe, Ton, Linie, Form, Raum und Textur.
Im Allgemeinen sind wir uns einig, dass es sieben formale Elemente der Kunst gibt. In einem zweidimensionalen Medium wird die Form jedoch verworfen. Wir haben also sechs Grundelemente der Malerei. Wir können auch vier zusätzliche Elemente einbringen – Komposition, Richtung, Größe und Bewegung.
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Schauen Sie sich unten die Hauptelemente eines Gemäldes an:
Farbe ist das Herzstück jeder Malerei. Es ist wohl das wichtigste Element. Es gibt den Ton an, wie die Zuschauer über das Werk denken. Es kann zum Beispiel warm und einladend sein. Es kann auch kalt und streng sein. In jedem Fall kann Farbe die Stimmung eines Stücks bestimmen.
Es gibt unzählige Möglichkeiten, wie Maler mit Farben spielen können. Oftmals fühlt sich ein Künstler zu einer bestimmten Palette hingezogen. Es tendiert dazu, den Stil für Ihre gesamte Arbeit festzulegen.
Die Farbtheorie ist einer der Schlüssel zur Arbeit mit Farbe, insbesondere für Maler. Jede neue Farbe, die Sie einer Leinwand hinzufügen, spielt eine entscheidende Rolle dabei, wie der Betrachter das Werk wahrnimmt.
Farbe kann in Farbton, Intensität und Farbton unterteilt werden. Außerdem entscheiden sich viele Künstler dafür, beim Malen mit einer Mutterfarbe zu arbeiten. Dabei handelt es sich um eine bestimmte Tintenfarbe, die in jede Tinte eingemischt wird, die die Leinwand berührt und für Gleichmäßigkeit sorgen kann.
Ton und Farbton werden in der Malerei synonym verwendet. Es kommt im Wesentlichen darauf an, wie hell oder dunkel eine Farbe ist. Wenn Sie verstehen, wie Sie es verwenden, kann dies einen großen Einfluss darauf haben, wie Ihre Kunst wahrgenommen wird.
Für jede Lackfarbe steht eine nahezu unendliche Vielfalt an Farbtönen zur Verfügung. Sie können es mischen, um Ihren Ton nach Ihren Wünschen anzupassen. Einige Gemälde weisen eine sehr begrenzte Farbpalette auf, während andere deutliche Farbkontraste aufweisen.
In seiner grundlegendsten Form ist der Farbton am besten in Grautönen zu erkennen. Schwarz ist der dunkelste Farbton und Weiß der hellste. Ein abgerundetes Gemälde hat normalerweise beides, wobei Glanzlichter und Schatten die Gesamtwirkung des Stücks hervorheben.
Während wir beim Zeichnen dazu neigen, in Linien zu denken, müssen sich Maler auch auf Linien konzentrieren. Schließlich entsteht mit jedem Pinselstrich eine Linie.
Eine Linie ist definiert als eine schmale Markierung, die mit einem Pinsel erzeugt wird, oder als Linie, die dort entsteht, wo zwei Objekte oder Elemente aufeinandertreffen. Er legt das Thema der Bilder fest. Es hilft uns auch, Dinge vorzuschlagen, wie zum Beispiel Bewegung.
Auch Maler sollten sich der unterschiedlichen Linienarten bewusst sein. Darunter sind angedeutete Linien, also solche, die nicht tatsächlich gezeichnet werden, sondern durch die Pinselstriche um sie herum angedeutet werden.
Vor allem Landschaftsmaler beschäftigen sich oft mit der Horizontlinie. Maler aller Stilrichtungen können ihrer Arbeit Dimension verleihen, indem sie die in Zeichnungen vorkommenden orthogonalen und transversalen Linien verwenden.
Jedes Kunstwerk beinhaltet eine Form, die sich in Linie und Raum ausrichtet. Im Wesentlichen ist eine Form ein geschlossener Bereich, der dort entsteht, wo sich Linien treffen.
Künstler trainieren oft darin, in allem Formen zu erkennen. Indem er die Grundformen eines Motivs zerlegt, schafft er eine genaue Darstellung davon in Gemälden und Zeichnungen.
Darüber hinaus können Formen geometrisch oder organisch sein. Die ersten sind die Dreiecke, Quadrate und Kreise, die wir alle kennen. Letztere sind Formen, die nicht genau definiert sind oder in der Natur vorkommen.
Raum (oder Volumen) ist ein weiteres entscheidendes Element in jeder Kunst. Es kann mit großer Wirkung in Gemälden eingesetzt werden. Wenn wir über Raum in der Kunst sprechen, denken wir über das Gleichgewicht zwischen positivem und negativem Raum nach.
Der positive Raum ist das Motiv selbst, während der negative Raum der Bereich eines Gemäldes darum herum ist. Künstler können mit einem Gleichgewicht zwischen diesen beiden Räumen spielen, um die Interpretation ihrer Werke durch die Betrachter weiter zu beeinflussen.
Beispielsweise kann eine Landschaft mit einem kleineren Baum und einem Horizont (positiver Raum), der es dem Himmel (negativer Raum) ermöglicht, den größten Teil des Bildschirms einzunehmen, eine sehr starke Aussage machen.
Ebenso kann das Malen eines Porträts, bei dem das (positive) Motiv in den negativen Raum blickt, genauso faszinierend sein wie das direkte Anschauen des Betrachters.
Farben sind das perfekte Medium, um mit Texturen zu spielen. Dies kann als Muster innerhalb des Gemäldes oder in den Pinselstrichen selbst interpretiert werden.
Einige Farben, insbesondere Ölfarben, sind dicker. Die Art und Weise, wie sie auf die Leinwand oder den Rahmen aufgetragen werden, kann aufgrund der Textur dem Werk mehr Tiefe verleihen.
Wenn Sie beispielsweise die Farbe eines Van-Gogh-Gemäldes nehmen und es in Schwarzweiß betrachten, fällt die Textur seiner Pinselstriche dramatisch auf. Ebenso setzt die pastose Malerei auf sehr tiefe Texturen.
Auch die Textur kann für Maler eine Herausforderung sein. Es kann schwierig sein, die glänzende Oberfläche von Glas oder Metall oder die raue Haptik eines Steins nachzubilden.
Die oben genannten Elemente sind für Gemälde von wesentlicher Bedeutung, obwohl wir der Liste häufig vier weitere Elemente hinzufügen. Eine der wichtigsten Aufgaben eines jeden Künstlers ist die Komposition.
Komposition ist die Anordnung des Gemäldes. Wo Sie Ihr Motiv platzieren, wie die Hintergrundelemente es unterstützen und jedes kleine bisschen, das Sie der Leinwand hinzufügen, wird Teil der Komposition. Es ist entscheidend dafür, wie die Arbeit wahrgenommen wird.
Es sind auch „kompositionelle Elemente“ zu berücksichtigen. Dazu gehören Einheit, Gleichgewicht, Bewegung, Rhythmus, Fokus, Kontrast, Muster und Proportionen. Jedes spielt in jedem Gemälde eine wichtige Rolle. Deshalb konzentrieren Künstler so viel Zeit auf das Songwriting.
In der Kunst ist das Wort „Richtung“ ein weit gefasster Begriff, der vielfältig interpretiert werden kann. Für bestimmte Motive kann ein vertikaler Bildschirm besser funktionieren als ein horizontaler und umgekehrt.
Mit „Richtung“ kann auch die Perspektive gemeint sein. Wo Sie Objekte platzieren oder wie sie im Verhältnis zueinander verwendet werden, kann den Betrachter durch die Kunst führen.
Die Größe bezieht sich auf den Maßstab des Gemäldes selbst sowie auf die Proportionen innerhalb der Bildelemente. Auch die Beziehung zwischen Objekten kann unbewusst die Wahrnehmung und den Genuss des Betrachters stören.
Beispielsweise ist ein Apfel, der größer als ein Elefant ist, unnatürlich. Weniger dramatisch: Wir erwarten, dass die Augen, Lippen und Nase einer Person ein bestimmtes Größengleichgewicht aufweisen.
Wenn es darum geht, die Größe eines Kunstwerks zu bestimmen, müssen Maler auch viele Dinge berücksichtigen. Übergroße Gemälde können genauso dramatisch sein wie ein sehr kleines Gemälde, und beide haben ihre eigenen Herausforderungen. In vielerlei Hinsicht ist die Größe einer der wichtigsten Aspekte für jeden Künstler.
Alle anderen Elemente beeinflussen, wie der Betrachter ein Gemälde wahrnimmt und betrachtet. Hier kommen Zeit und Bewegung ins Spiel.
Unter Zeit versteht man die Zeit, die ein Betrachter damit verbringt, ein Stück zu betrachten. Gibt es mehrere Elemente, die Ihre Aufmerksamkeit weiterhin fesseln? Es stimmt, dass dies eines der Elemente ist, die viele Künstler interessieren.
Bewegung ist ebenfalls eines der Elemente der Komposition, obwohl ihre Bedeutung in dieser Gruppierung nicht außer Acht gelassen werden sollte. Damit ist gemeint, wie Sie den Blick des Betrachters auf das Gemälde richten.
Indem Sie verschiedene Elemente an strategischen Stellen einfügen und die anderen Kunstelemente integrieren, können Sie dafür sorgen, dass sich die Betrachter im Bild bewegen.